125년 넘게 다섯 세대가 이어온 바라캇의 유산을 한국에서 전시와 문화 경험으로 펼칩니다.
Barakat Art Enterprise Korea brings the heritage of Barakat, kept by five generations over more than 125 years, to Korea through exhibitions and cultural experiences.
바라캇 갤러리는 1860년대 예루살렘에서 시작해 다섯 세대가 이어 온 고대 예술 갤러리입니다. 박물관급 고대 예술품 4만여 점을 소장하고 있습니다.
From biblical antiquities gathered in Jerusalem to Egypt, Greece and Rome, Byzantium, Islam, Africa, Asia and the Pre-Columbian Americas.
1860
바라캇 가문은 예루살렘에서 모은 성서 유물에서 출발해 고대 그리스와 로마, 중국을 포함한 아시아, 비잔틴, 이집트, 이슬람, 아프리카, 선(先)콜롬비아까지 시대와 지역을 넓혀 왔습니다.
세계 여러 박물관과 협업하며 고대 예술의 아름다움과 품격을 나누고 있습니다.
바라캇 서울은 바라캇 갤러리가 아시아에서 처음으로 서울에 연 전시 공간입니다.
고대 예술에 집중해 온 바라캇은 이제 고대 예술과 현대를 이어 새로운 내일을 만들고자 합니다.
고대 이집트 신화에서 네페르툼은 태초의 물에서 푸른 연꽃과 함께 떠오른 신입니다. 바라캇은 1963~64년에 입수한 네페르툼 조각상을 갤러리의 상징으로 삼았습니다.
카르투슈가 왕의 이름을 감싸 지켰듯 우리는 유산과 그 이력을 지키고, 첫 햇살이 연꽃을 비추듯 그 아름다움을 오늘의 빛 아래 내보입니다.
Nefertem
네페르툼
고대 이집트
태초의 물에서 푸른 연꽃과 함께 떠오른 신입니다. 첫 햇살과 연꽃 향기의 신으로 ‘아름다운 이’라 불렸고, 사람들은 그의 작은 상을 행운의 부적으로 지녔습니다.
바라캇
바라캇의 상징 유물입니다. 바라캇은 이 신을 “모든 시대와 문화를 비추는 거울”로 삼았습니다.
Cartouche
카르투슈
고대 이집트
왕의 이름을 감싸 영원히 지키는 보호의 고리입니다.
바라캇
유산을 지키고 보존하는 회사라는 뜻입니다.
Knot
아래 매듭
고대 이집트
고리를 묶어 끝없이 잇는 매듭입니다.
바라캇
다섯 세대를 이어 온 가업과 신뢰를 뜻합니다.
Blue Lotus Crown
푸른 연꽃 관
고대 이집트
아침에 피고 저녁에 닫히는 꽃입니다. 태양, 탄생과 재생을 뜻했습니다.
바라캇
유산을 오늘의 빛 아래 내보인다는 뜻입니다. 동양의 연꽃과 잇는 것은 바라캇 코리아의 해석입니다.
Two Plumes
깃털 두 개
고대 이집트
네페르툼의 관을 이루는 요소입니다. 실제 유물에도 연꽃 위에 두 깃털이 있습니다.
바라캇
뜻을 따로 붙이지 않고 형태로만 씁니다.
Menat
메나트 추
고대 이집트
기쁨의 여신 하토르와 이어진 장신구입니다.
바라캇
바라캇이라는 이름 그대로, 축복을 뜻합니다.
Collar and Wig
목걸이와 가발
고대 이집트
신성한 지위를 나타내는 표식입니다.
바라캇
최고 품격의 컬렉션을 뜻합니다.
Barakat
About · 바라캇 소개
바라캇 갤러리
바라캇 갤러리는 박물관급 고대 예술 컬렉션 4만여 점을 소장하고 있습니다. 시작은 1860년대로 거슬러 올라갑니다. 바라캇 가문은 5대에 걸쳐 예루살렘에서 모은 성서 유물을 바탕으로 고대 그리스와 로마, 중국을 포함한 아시아, 비잔틴, 이집트, 이슬람, 아프리카, 선(先)콜롬비아까지 시대와 지역을 넓혀 왔습니다. 런던, 로스앤젤레스, 서울, 홍콩에 갤러리가 있고, 세계 여러 박물관과 협업하고 있습니다.
바라캇 서울
바라캇 서울은 바라캇 갤러리가 아시아에서 처음으로 서울에 연 전시 공간입니다. 고대 예술관은 바라캇 컬렉션 상설 전시로 고대 예술품을 감상하고 그에 대한 지식을 나누는 곳입니다. 현대 예술관은 연구를 바탕으로 한 실험적인 현대미술 전시를 선보입니다.
파에즈 바라캇
파에즈 바라캇은 세계 최대의 고대 예술품 수집가이자, 예루살렘에서 시작해 5대째 이어 온 바라캇 갤러리의 소유주입니다. 그림을 그리는 작가이기도 합니다.
헤브론에서 포도 농사를 짓던 증조할아버지가 땅에서 다윗 시대의 유물을 발견하면서 가업이 시작되었습니다. 어린 시절 흙 속에서 1700년 전 동전을 찾아낸 파에즈는 16세에 아버지의 일에 뛰어들었고, 고고학자 캐슬린 케니언의 발굴 현장을 따라다니며 유물을 보는 눈을 길렀습니다.
예루살렘의 갤러리를 찾은 피카소를 만난 뒤로 아프리카 예술까지 수집의 폭을 넓혔습니다. 지금은 회화 작업에 힘을 쏟고 있습니다.
“저의 작품과 이 고대의 보물이 여러분의 마음 그리고 영혼과 교류할 수 있기를 진심으로 바랍니다.”
묵조(默照)는 말없이 고요히 비춘다는 뜻입니다. 간다라의 불상과 부조를 어둠과 빛 속에서 만나는 전시를 준비하고 있습니다.
날짜와 장소는 정해지는 대로 알려 드립니다.
Past Exhibitions
지난 전시 · 2016 – 2022 · 바라캇 서울, 삼청로
2021
메두사의 미궁
Medusa's Labyrinth
2021.12.08 – 2022.03.27 · 바라캇 서울
그리스와 로마의 대리석 조각을 한 편의 연극 무대처럼 펼친 전시입니다. 신화와 역사, 환상과 현실 사이에 놓인 기묘한 성채로 관람객을 초대했습니다.
전시 소개 전문 읽기
친애하는 귀하,
격조하였습니다. 허나 12월 8일부터 바라캇 갤러리 서울관에서 새롭게 선보이는 특별전시 《메두사의 미궁》의 소식을 올려드림에 흥분된 마음을 주체하기 어렵습니다. 낯선듯 익숙하며 지극히 고아한 전시명으로 말미암아 미루어 짐작하셨을터, 이는 신들의 계보를 정리한 고대 그리스의 서사시인 헤시오도스와 그리스 신화를 집대성한 아폴로도로스의 『비블리오테케』, 그리고 불멸의 로마 시인으로 남은 오비디우스의 『변신이야기』를 정신적 문법으로 삼았던 아가토 파르코의 동명 미발간문집을 바탕으로 했답니다. 세상 모든 아름다움을 선별해 채워넣은 이상향을 시각화한 《메두사의 미궁》은 근원을 찾기 힘든 기묘한 성채를 한 편의 연극 무대와 같이 재현했지요.
《메두사의 미궁》을 구성하는 예술 작품들의 역사적 가치와 미학적 수준은 로마 황제의 보물 컬렉션을 능가한다고 감히 말씀드릴 수 있겠습니다. 그리스와 로마의 대리석 조각들은 기원전부터 최고급 소재로 간주된 파로스 대리석 특유의 상아빛을 유지한 채 고대의 판테온으로 공간적 치환을 이뤄냅니다. 서구 문학사 최고의 걸작을 낳은 호메로스식으로 말하자면, 메두사의 영역에 들어선 것과 같달까요. 동방의 문명과 서양의 문화, 고대의 향수와 근세의 미감, 학문의 영역과 예술적 취미를 넘나드는 바라캇 컬렉션의 명성은 익히 알고 계실 것입니다. 신화와 역사, 환상과 현실의 가교를 이룬 그 곳, 바라캇 갤러리 서울관에서 목하 뵙기를 고대하며 이만 총총 펜을 놓겠습니다.
귀하의 충실한 벗,
바라캇 서울
2021
환상게임: 바라캇 이집트 보물전
The Game of Heh : Barakat Egyptian Treasures
2021.05.18 – 10.17 · 바라캇 서울
고대 이집트의 보드게임 세네트를 다시 풀어낸 전시입니다. 신관이 되어 신들과 게임을 하듯 이집트 유물을 만나도록 꾸몄습니다.
전시 소개 전문 읽기
서라 ―
여기까지가 오직 산 자의 공간,
세네트의 장기판에 오르는 순간 영원의 신을 마주하리라.
바라캇 서울은 2021년 5월 18일(화)부터 10월 17일(일)까지 고대 이집트인이 즐겼던 보드게임 세네트를 재해석한 《환상게임: 바라캇 이집트 보물전》을 개최합니다. 150년의 오랜 역사를 지닌 바라캇 컬렉션 가운데 가장 독보적인 역사적 가치와 고도의 희소성, 그리고 대중적 인기를 모두 갖춘 이집트 유물들을 집대성한 이번 전시는 고대 이집트의 신관이 되어 옛 문명의 신들과 함께 환상적인 게임을 즐기듯 오랜 예술품과 마주하는 드문 기회를 선사하고자 합니다. 이집트 성각문자(聖刻文字)의 인도와 신왕국 시대 남성 조각상의 손짓을 따라 걸음을 옮기면 어느덧 고왕국 시대의 신관으로 기록된 4000여 년 전 자신의 초상과 만나게 됩니다. 이윽고 청동의 신체로 나타난 고양이 여신 바스테트의 요염한 몸짓과 사후세계의 안내자인 아누비스처럼 자칼의 머리를 가진 두아무테프의 은밀한 행렬을 따라 사자(死者)의 얼굴을 한 미라 마스크와의 정면 대결이 끝나면 황금 위에 올라앉은 영원의 신 헤가 머무는 영원의 갈대밭에 다다릅니다.
자, 이제 당신의 차례입니다. 《환상게임: 바라캇 이집트 보물전》에 펼쳐진 세네트의 장기판에 오르시겠습니까?
2020
1002번째 밤의 이야기: 바라캇 오리엔탈 카펫 컬렉션
The Thousand-and-Second Tale: Oriental Carpets of Barakat Collection
2020.11.25 – 2021.03.28 · 바라캇 서울
터키 헤레케 카펫과 페르시아 카펫, 메카 순례의 장식 가마 마흐말까지. 수 세기에 걸친 직조 예술을 천일야화 다음 날의 이야기로 엮었습니다.
전시 소개 전문 읽기
오, 천 두 번째 날의 손님 ―
범람하는 아름다움에 기꺼이 몸을 맡긴 모험가여!
먼저 당신이 어떻게 여기까지 들어오셨는지 말씀해 주시겠소?
그러면 성스러운 땅을 여행한 마흐말과 낙원을 장식한 카펫의 이야기를 읊어드리지요.
바라캇 서울은 2020년 11월 25일(수)부터 2021년 2월 28일(일)까지 유서 깊은 오리엔탈 카펫의 아름다움을 깨우는 《1002번째 밤의 이야기: 바라캇 오리엔탈 카펫 컬렉션》을 개최합니다. 오스만 황실을 위한 수공예품이었던 터키 헤레케(Hereke) 카펫과 이란의 문화를 대표하는 예술품인 페르시아 카펫, 그리고 메카의 성지 순례를 위한 장식 가마인 마흐말(Mahmal) 등 수 세기에 걸친 호화로운 직조 예술의 세계를 펼치는 이번 전시는 『천일야화 千一夜話』를 넘어 천 하룻밤의 이튿날로부터 새롭게 이어지는 이야기를 전하고자 합니다. 이국적인 문화가 꽃을 피웠던 중동의 뜨겁고 척박한 땅에서 삶의 필수품이었던 카펫은 찬란한 빛깔과 영묘한 문양으로 보는 이의 눈앞에 낙원의 풍경을 펼쳐 보였습니다. 또한 메카로의 순례에 의례용 가마로 사용된 마흐말은 금실을 화려하게 수놓은 비단 덮개로 장식된 채 낙타의 등에 실려 순례길의 성스러운 주역으로 기능했습니다. 중동의 밤하늘 아래 펼쳐진 마흐말의 성스러운 여행기로부터 시작되는 《1002번째 밤의 이야기: 바라캇 오리엔탈 카펫 컬렉션》은 오리엔탈 카펫의 조화로운 색채와 유려한 패턴 속으로 방황하듯 빨려 들어가며 천 이튿날 밤의 이야기를 들려줄 것입니다.
◆ 본 전시는 유료 관람으로 진행되며, 현장에서 입장권 결제가 이루어집니다. (입장권 5,000원 | 기획전 및 유물관)
◆ 코로나바이러스감염증-19의 확산 방지 및 예방을 위해 본 전시는 예약제로 운영됩니다. 전시 관람 시 보건용 마스크의 착용 등 개인 위생 수칙의 준수를 부탁드립니다. (문의 02-730-1949)
2020
동방견문록 東方見聞錄 : 바라캇 갤러리 중국 유물전
Masterpieces of Chinese Art in The Barakat Collection
2020.03.18 – 10.31 · 바라캇 서울
한나라 도용부터 당삼채, 명대 관음보살상, 청나라 공예품까지 중국 고금의 예술을 관음의 정원과 황금빛 수집실에 담았습니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 중국의 유구한 역사와 수려한 예술을 집약한 <동방견문록 東方見聞錄 : 바라캇 갤러리 중국 유물전>을 개최합니다. 한나라 시대에 만든 도용(陶俑)부터 수대의 단아함이 깃든 조각상, 당나라 시기의 이국적인 삼채기(三彩器), 명대의 정교한 관음보살상, 청나라의 호화로운 공예품까지 중국 고금의 예술을 선보이는 바라캇 서울의 이번 전시는 관음보살이 머무는 정원과 유서 깊은 예술품이 놓인 황금빛 수집실로 관람자를 초대합니다. 동방 문화에 매혹됐던 마르코 폴로가 『동방견문록』을 집필했듯, 바라캇 서울과 함께하는 이번 여정을 통해 고대 중국의 예술에 대한 또 다른 환상 여행기가 탄생하기를 기대합니다.
2019
고귀한 신화, 위대한 역사: 그리스·로마 유물 컬렉션
The Glory of the Classical World: Ancient Greek & Roman Art Collection
2019.09.04 – 12.29 · 바라캇 서울
신화를 형상으로 옮긴 고대 그리스와 로마의 조각과 도기를 통해 서양 문명의 고전을 돌아본 전시입니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 고대 그리스와 로마의 예술품을 선보이는 <고귀한 신화, 위대한 역사: 그리스·로마 유물 컬렉션> 전을 개최합니다. ‘서양 문명의 영원한 고전’인 고대 그리스와 로마는 다방면에서 서구 문화의 근간을 구축해 오늘날까지도 우리의 사고와 창작 방식에 영향을 미치고 있습니다. 이처럼 그리스와 로마가 문화적 이상향으로 자리매김하는데 결정적인 역할을 한 것은 바로 그들이 남긴 미술이었습니다. 이들의 미술은 기본적으로 신화의 이미지를 형상화하는 것이었습니다. 고대 그리스와 로마인들의 종교와 역사, 지성과 감성, 철학과 미학이 융합된 그리스·로마 신화는 신의 영광이 반영된 신전 건축물로, 이상적인 신체를 묘사한 조각상으로 나타나, 보이지 않는 신들의 세계를 가시적인 인간의 역사 속으로 끌어들였습니다.
고대 그리스와 로마의 미술에서는 신의 영역과 인간의 세상이 끊임없이 교차됩니다. 바라캇 서울은 <고귀한 신화, 위대한 역사: 그리스·로마 유물 컬렉션>을 통해 고대 그리스·로마의 신화와 역사가 결합된 미술의 표현 양상을 확인하는 한편, 신화 속의 다양한 이야기들이 당대인들에게 어떤 식으로 수용, 소비됐는지를 살펴볼 수 있는 특별한 기회를 제공하고자 합니다. 그리스 고전기와 헬레니즘기의 수준 높은 조각 양식을 엿볼 수 있는 신상(神像), 여신과 인간, 동물의 행렬을 생기발랄한 색채로 묘사한 프레스코화, 섬세하고 화려한 로마 시대의 모자이크, 사랑의 신 에로스(로마의 큐피드)가 표현된 석관 조각 등 이번 전시에서 선보이는 고대 그리스·로마의 유물 컬렉션은 신들의 우아한 세계와 인간이 그린 웅장한 서사가 녹아 든 수준 높은 예술을 경험케 해줄 것으로 기대합니다.
2019
여림의 미학: 19세기 유럽 명품 유리기
Fragility and Nobility: 19th Century Masterpieces of European Glass
2019.04.17 – 07.31 · 바라캇 서울
모저 컬렉션과 보헤미아 유리기 등 19세기 유럽의 유리기를 그 시대의 역사, 경제, 문화와 함께 살핀 전시입니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 2019년 4월17일(수)부터 7월31일(수)까지 바라캇 유리기 컬렉션을 선보이는 <여림의 미학: 19세기 유럽 명품 유리기>를 개최한다. 반짝임과 유려함이 보석과 닮아 있는 유리는 제조와 가공에서도 섬세함을 요한다. 유리로 만든 그릇, 유리기는 깨지기 쉬운 여림과 아름다운 형태까지 더해져 예술품과 실용품의 경계에서 오랫동안 귀하게 여겨졌다.
19세기 유럽의 유리기는 역사, 경제, 문화를 두루 이해해야 심도 있게 감상할 수 있다. 따라서 이 전시는 유리기의 가치를 19세기 유럽의 복합적인 시대상황과 접목시켜 살펴보고자 기획되었다. <여림의 미학: 19세기 유럽 명품 유리기>에서는 왕가의 사랑을 받았던 모저(Moser) 컬렉션, 인도 시장을 타깃으로 제작된 보헤미아-인디아 유리기, 이슬람 문양을 선호하던 유럽 시장과 이슬람 시장 모두를 고려한 프랑스 모스크 램프, 스페인과 북아프리카의 문화적 요소를 결합한 이스파노 모레스크(Hispano Moresque) 보헤미아 유리기를 비롯한 다양한 작품을 접할 수 있다.
유럽 상류층의 사치품이었던 유리기는 로마, 르네상스, 바로크 시대에 전성기를 누렸다. 로마 장인들은 반투명한 녹색과 푸른색의 유리기를 주로 생산했고 귀족들은 이를 값비싼 액체를 담는 용기로 애용했다. 15세기에는 베네치아의 무라노섬이 유리 생산의 중심지로 떠올랐다. 우윳빛 색감과 도자기같은 표면이 특징인 무라노 유리기는 유럽 전역과 이슬람권의 상류층 사이에서 큰 인기를 누렸다. 무라노 양식을 답습하던 보헤미아왕국은 기술, 과학, 광업의 발달을 토대로 투명도와 광택이 뛰어난 보헤미아 유리기를 탄생시켰고, 이는 17세기 이후 최고급 유리기로 손꼽히고 있다.
제국주의와 교통의 발달로 국내외 시장이 확장되던 19세기 유럽에서는 시장 점유를 둘러싼 국가 간의 경쟁이 심화되고 있었는데, 유리기 시장 또한 예외는 아니었다. 넘치는 수요에 따라 각국에서는 수많은 유리기 제조사들이 등장했다. 오스만제국의 술탄에서부터 바티칸의 교황, 포르투갈 왕실에 이르는 최상류층을 사로잡았던 유리기 제조사, 모저의 설립 시기 또한 이때이다. 유리기 제조업자들은 국제 박람회에서 수상함으로써 국가의 위상을 높이고자 했고, 동시에 치열한 경쟁을 뚫고 국내외 시장을 공략할 획기적인 유리기를 생산하는데 몰두했다.
이 시기는 이전의 어떤 시기보다도 고급문화를 향유하려는 의지와 이국적인 것을 갈망하는 엑조티시즘(exoticism)이 절정으로 치닫던 시대이기도 하다. 산업혁명으로 경제력이 막강한 중산층이 탄생하였는데 이들은 신분체계가 와해되던 시대 분위기를 빌미로 이전에는 귀족만이 누릴 수 있던 문화를 경험하고자 했다. 이와 함께 낭만주의 이후 극대화된 엑조티시즘이 부유한 지식인의 유희로서 급부상하자 제작자들은 앞다투어 이국적 특징을 지닌 고급 유리기 생산에 나섰다.
<여림의 미학: 19세기 유럽 명품 유리기>는 19세기 유럽 유리기에 당대의 경제, 문화, 심리적 요소가 첨예하게 얽혀 있다는 점에 주목했다. 고급문화를 선도하던 상류층과 이들을 모방하는 중산층이 선호하던 최고급 유리기와 더불어 유럽에서 제작된 것이라고 보기 힘들 만큼 이국성이 짙게 반영된 유리기들을 한 자리에서 볼 수 있는 기회이다. 반짝이는 유리기를 통해 격동적인 19세기 유럽을 느껴보는 특별한 시간이 되길 기대한다.
2018
찰나와 영원
Enlightenment and Transcendence
2018.11.21 – 2019.04.07 · 바라캇 서울
깨달음의 한 순간이 영원이 되는 불교의 역설에 주목해 아시아 여러 지역의 불교 미술을 선보였습니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 2018년 11월 21일(수)부터 2019년 3월 31일(일)까지 <찰나와 영원>을 개최한다. ‘찰나’는 시간의 최소 단위를 일컫는 용어이며 불교에서는 모든 것이 하나의 찰나마다 생겼다 소멸하고, 소멸했다가 생기면서 무한으로 이어져 나간다고 말한다. 이 전시는 깨달음의 순간, 그 찰나가 시공의 한계를 벗어나 영원이 되는 불교적 역설에 주목한다.
기원전 5세기경 인도의 동북부에서 시작된 불교는 고타마 싯달다의 가르침을 기반으로 한다. 싯달다는 보리수 나무 아래에서 새벽 별을 보는 찰나의 순간 깨달음을 얻어 석가모니 부처가 된 인물이다. 이후 불교는 아시아 전역으로 영향력을 확대하여 최초의 세계 종교로 자리매김하였다. 석가모니 부처를 따른다는 기본 개념을 공유하며 아시아의 각 국가들은 불교문화를 끊임없이 토착문화와 결합해 다채로운 도상을 생산했다.
<찰나와 영원>은 150여년의 역사를 지닌 바라캇 컬렉션 가운데 선별된 불교 미술품들을 선보인다. 바라캇의 불교 컬렉션은 폭넓은 시대와 지역의 작품들을 아우르는데, 이번 전시 또한 중국에서부터 인도, 아프가니스탄, 파키스탄, 네팔, 티베트에 이르는 다양한 지역의 불교 조각과 불화로 구성되었다. 기원후 1세기경 헬레니즘 문화의 영향을 받아 인도대륙에서 최초의 상(像)으로 등장한 간다라 불교미술, 실크로드를 따라 인도와의 교류 속에서 독자적인 양식으로 거듭난 중국 불교미술, 그리고 정교하고 사실적인 표현으로 명상과 수행에 도움을 주는 화려한 티베트 불교미술을 전시를 통해 엿볼 수 있다.
이 전시는 작품의 지역적, 시대적 특색을 살펴보고 동시에 일관적으로 드러나는 가치, 찰나의 깨달음에 담긴 영원에 대해 고찰해보는 특별한 기회가 될 것이다. 불교미술을 역사적, 미학적으로 감상하고 나아가 삶의 유한성을 극복하는 방식의 하나로서 경험해보는 의미 있는 시간이 되길 기대한다.
2018
리바이어던: 흑점과 고래
Leviathan On Sunspots and Whales
2018.09.01 – 11.04 · 바라캇 서울
영국 작가 셰자드 다우드가 기후 변화와 바다, 이주와 난민 같은 이 시대의 문제를 조각과 회화, 영상으로 엮은 프로젝트입니다. 새로 문을 연 바라캇 컨템포러리에서도 함께 열렸습니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 2018년 9월 1일(토)부터 11월 4일(일)까지 바라캇 본관과 새롭게 문을 여는 바라캇 컨템포러리 공간에서 영국 출신 작가 셰자드 다우드의 <리바이어던: 흑점과 고래>전을 개최한다.
<리바이어던>은 이 시대의 긴급한 문제를 조망하는 예술 프로젝트다. 기후 변화, 해양 복지, 민주주의, 이주민과 난민, 정신 건강 등 완전히 이해하거나 해답을 내기 어려운 현시대의 문제를 놓고 여러 전문가와 연계를 통해 그 연결 고리를 탐색한다. 이 프로젝트는 총 10편의 에피소드로 이루어진 소설과 이에 상응하는 상을 주축으로, 조각과 페인팅, 토론과 텍스트 출판으로 구성되어 있다. 이번에 바라캇 서울에서 열리는 전시는 2021년까지 진행될 세계 순회전 중 세 번째 전시다. 프로젝트가 진행되는 동안 당시 사회적 사건이나 쟁점에 따라 내용이 확장될 수 있기에 어떤 양상으로 변화하고 발전할지 예측하기는 어렵다.
<리바이어던: 흑점과 고래>전에서는 <리바이어던> 프로젝트의 중심을 이루는 영상 작업의 네 번째 에피소드를 최초로 선보인다. 영상은 태양계에서 일어난 원인 모를 격변으로 몇 명의 생존자만이 살아남은 가상 미래를 배경으로 한다. 또한 람페두사(Lampedusa) 섬으로 가는 바닷길에서 사망한 난민들의 신원을 확인하기 위한 기관 라바노프(Labanof)와 베네치아의 전통적인 수공예 천 제작사인 포르투니(Fortuny)의 협업으로 이루어진 페인팅을 선보인다.
이외에도 바라캇 서울의 고대 조각상에서 영감을 얻은 신작 조각품과 한국 설화 ‘연오랑 세오녀’에서 영감을 얻은 신작 페인팅을 선보일 예정이다. 오랜 시간 바닷속에 잠겨 있었던 헬레니즘 시대의 남성 토르소를 모티프로 남성 토르소에 문어 머리가 얹힌 조각을 제작하였다. 한편, ’연오랑 세오녀’는 고대 한국의 일월 성신 신화를 담은 흔치 않은 기록물로, 바위에 실려 일본으로 건너간 어부 연오랑을 그리워한 세오녀가 바위에 놓인 연오랑의 신발을 본 후 남편을 따라 일본으로 가 그곳의 왕과 왕비가 되는 이야기이다. 작가는 이야기 속 신발을 ‘잃어버린 난민의 소지품’으로 여기고, 신라에서 해와 달의 정기를 되찾기 위해 세오녀가 짠 비단으로 제사를 지내는 이야기를 아소르스(Azores) 제도의 비현실적인 일몰의 순간으로 풀어내며 천 위의 페인팅으로 재해석한다.
바라캇 서울에서 열리는 셰자드 다우드의 <리바이어던: 흑점과 고래>는 바라캇 소장품인 고대 예술품과 한국의 신화와 이종적인 결합을 맺으며 변용의 과정을 거친다. 처음 프로젝트가 시작된 유럽과 다른 사회적 배경과 문화를 갖는 한국에서 여러 학자들과 관객을 만나며 어떻게 변화하고 확산해갈지 기대하게 된다.
2018
응키시 응콘디 블로로 폼빌레레: 신들의 도래
Nkisi Nkondi Blolo Pombilele: The Arrival of The Gods
2018.07.10 – 08.12 · 바라캇 서울
19–20세기 아프리카 여러 부족이 의례를 위해 만든 조각을 모아, 영혼과 소통하는 힘이 깃든 형상을 소개했습니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 2018년 7월 10일 (화)부터 8월 12일 (일)까지 19-20세기 아프리카 소수 부족에 의해 제작된 아프리카 조각 전시 <응키시 응콘디 블로로 폼빌레레: 신들의 도래>를 개최한다. 바라캇 아프리카 조각 컬렉션은 다양한 소수 부족들이 제작한 19-20세기 의례용 작품으로 이들은 개별적 고유성을 잘 드러낸다는 점에서 높은 가치를 지닌다. 특히 아프리카인은 인물 조각에 영혼과 소통하는 힘이 깃들어 있다고 믿었다. 이들은 그 힘을 강조하기 위해 머리, 입, 배, 생식기 등의 특정 신체 부위를 각 부족이 공유하는 다양한 조형 언어로 강조하곤 하였다.
전시의 타이틀 “응키시 응콘디 블로로 폼빌레레”는 아프리카 소수 부족의 언어를 조합한 합성어로, 이들은 모두 주술 혹은 영적 세계와 관련된 의미를 내포한다. ‘응키시’는 콩고어로 일종의 마법이나 주술을 뜻한다. ‘응키시 응콘디’는 콩고강 유역 부족이 제작하던 주술 인형을 지칭하는 양식으로 부족을 나쁜 기운으로부터 보호하는 액막이 기능을 하였다. ‘블로로’는 아이보리코스트의 바울레족 언어로서 조상이 거주하는 공간이자 동시에 영적인 세계를 나타낸다. ‘폼빌레레’는 세누포족의 언어로 ‘삶을 부여하는 자’를 뜻하며 전통적으로는 최초의 인간이자 모든 인류의 조상인 한 쌍의 남녀를 가리킨다.
현재 약 3,000여 개에 이르는 아프리카 부족은 지리적 환경, 민족, 이주, 전쟁에 따라 독특한 토착 문화를 형성해왔다. 바라캇 서울의 아프리카 조각 컬렉션은 부족민의 미래 염원이 깃든 정령들로, 이를 통해 일상생활과 믿음, 상상, 욕망 사이에 혼재되어 있던 아프리카의 독특한 문화에 대해 유추해볼 수 있다. 성과 속의 경계가 허물어진 이들의 세계관과 그 틈새에서 빚어진 삶의 경험이 작품의 토대가 된 것이다. 이번 전시에서는 아프리카 조각 컬렉션과 더불어, 이들이 도시 문명을 배경으로 한 미래의 가상 세계에 ‘신’으로 등장한다는 내러티브를 풀어낸 영상 <신들의 도래>도 함께 소개할 예정이다.
영상 <신들의 도래>에서 19-20세기 아프리카의 조각은 현실과 가상의 세계 사이를 오가는 상상의 영역 즈음에 위치한다. 이는 과거 아프리카 부족의 미래 염원이 깃든 정령이 가상의 공간으로 소환되는 일종의 “타임슬립(Time Slip)“이다. 가상현실 구현이 활발해진 현대 사회는 가볍고 액체적인 소프트웨어에 기초한다. 이러한 현상은 현실과 비현실을 명확히 구분하던 시대를 지나 모든 영역이 유동적으로 ‘액체화’되어버린 현재에 다시금 주목해볼 만하다. 현대의 디지털 정보 교환 속도는 초당 약 30만 km의 광속 여행 즉, 1초당 지구 일곱 바퀴 반을 도는 것을 가능케 한다. 이 세계에서 개인은 ‘이곳’에서 ‘저 멀리’ ‘순식간’에 이동할 수 있게 되었다. 이처럼 오늘날 테크놀로지는 개인의 일상적 삶의 차원으로까지 시공간의 경험을 넓혀주고 있다. 영상은 아프리카 부족의 모든 신념이 담긴 조각이 속도에서 온전히 해방되어 가벼워진다면, 어떠한 구속도 당하지 않고 예측 불허한 상황을 지배하는 자유로운 신으로 거듭날 것이라는 가정을 전제로 시작된다.
시공간을 초월해 이제 막 낯선 곳으로의 여행을 시작한 신들은 인종을 뛰어넘어 모든 선인과 악인, 기쁨과 슬픔, 절망이 공존하는 곳, 패망과 번영의 역사가 반복적으로 서려 있는 인류의 고향 지구 행성을 거쳐 ‘서울’로 재빨리 광속 운동한다. 영상은 서울을 배경으로 펼쳐지지만, 이곳에 등장하는 사막과 폐허는 현실 세계에 존재하지 않는 3D 게임 엔진이다. 영상에서 아프리카의 신들은 문명의 발달이라는 미명 하에 끝없이 세워지는 고층 빌딩 숲과 쇠퇴하는 문명의 상징 “폐허”, 황량한 불모지와 직면하게 된다. 그리고 자신도 인식하지 못한 사이에 서서히 낯선 공간과 관계를 맺게 된다.
종말론적 풍경 위에 크고 작은 형상으로 등장하는 신들은 때로는 한 무리 인간 군상처럼 서 있기도 하고 느리게 걷기도 한다. 또는 화면 밖의 관찰자를 덮칠 만큼 빠른 속도로 다가오기도 한다. 신들이 황무지를 바라보며 망연자실하게 서 있다. 폐허 위로 드리운 그림자의 길이만큼 넓게 번진 고독의 면적은 인류가 그토록 바라왔던 삶의 번영이 하룻밤 꿈처럼 허무하게 사라질 수 있음을 암시한다. 전시 공간에 놓인 아프리카 조각은 필연적으로 스스로가 ‘신’으로 강림한 영상을 응시하게 된다. 여러 겹의 시선이 얽히고설킨 이 상황은 긴장감을 고조시킨다.
예술작품으로서의 독특한 조형미와 당대 부족 문화를 대표하는 바라캇 서울의 아프리카 조각 컬렉션은 그 당시 인간이 세계와 관계 맺어 온 독특한 방식을 시각적으로 제시한 중요한 작품으로 구성되어 있다. 이번 전시 <응키시 응콘디 블로로 폼빌레레: 신들의 도래>는 바라캇 서울의 아프리카 조각 컬렉션을 동시대 주요 문화 중 하나로 자리 잡은 ‘디지털 공간’에 위치시키면서 작품에 대한 해석과 사유의 지평을 넓히고자 한다.
이번 전시 <응키시 응콘디 블로로 폼빌레레: 신들의 도래>는 그동안 현실 세계 안에서 인간이 한정 지어 오던 ‘경계’가 해체되는 순간과 앞으로 새롭게 그려지게 될 미래의 지형도를 상상하는 기회가 될 것이다. 이를 통해 인간과 삶의 상호작용 및 사유 과정에 대한 근본적인 고찰을 하는 시간이 되길 기대한다.
2018
영원한 빛의 정점
Peak of Eternal Light
2018.05.02 – 06.10 · 바라캇 서울
스페인 작가 호르헤 마이네스 루비오의 개인전입니다. 잊힌 고대 문명의 흔적을 달이라는 미래의 무대 위에 다시 세웠습니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 2018년 5월 2일 (수)부터 6월 10일 (일)까지 스페인 작가 호르헤 마이네스 루비오(Jorge Mañes Rubio, 1984~)의 개인전 <영원한 빛의 정점 Peak of Eternal Light>을 개최한다. 호르헤 마이네스 루비오는 사라진 문명과 샤머니즘에 관한 주제를 민족지학적 관점으로 연구하고 잊혀진 장소와 이야기에 주목하면서 이에 새로운 의미를 부여하는 작업을 해왔다. 이러한 시도는 예술의 경계를 넘어 정치, 사회, 환경 문제에 대한 대안적 관점을 제안한다.
바라캇 서울이 선보이는 이번 전시 <영원한 빛의 정점>은 현대사회에서 잊혀진 고대 문명의 흔적을 ‘달’이라는 미래의 대안적 무대 위에서 재구성하는 작업이다. 고대 문명에서부터 현대 달 탐사에 이르기까지 인류는 오랫동안 우주 공간을 탐구해왔다. 특히 1950년대 후반 달을 향해 우주선을 쏘아 올렸던 미국과 소련의 우주경쟁부터 현재까지 이어져 온 우주 자원 개발은 흔히 인류가 이뤄낸 획기적인 과학 기술의 성과이자 수익성 있는 우주 관광 및 천연자원의 발견으로 인식되어 왔다.
2016년 유럽우주국(ESA) 예술 레지던스 프로그램에 참여하게 된 작가는 달에 정착하게 될 최초의 인류 문명을 구상한다. 인간이 달에 정착하여 새로운 삶의 터전을 일궈간다는 가상의 내러티브에서 시작된 이번 전시는 달에서 일조량이 가장 많은 곳으로 꼽히는 남극점, 섀클턴 분화구(Shackleton Crater)를 중심으로 펼쳐진다. 이곳에서 작가는 지구를 벗어나 끊임없이 외계로 나아가고자 하는 인간의 유토피아적 염원을 실현시키면서 달에 정착하는 새로운 인류 문명 건설을 시도한다.
낯선 곳으로 나아가는 인류의 여정은 언제나 미지의 세계에 대한 두려움을 동반한다. 문명은 광활하게 펼쳐진 세계 안에서 인간이 스스로의 나약함을 직면하고 그 두려움을 극복하고자 노력하는 과정에서 태동한다. 작가는 “미래의 달 정착민은 어떤 문화 속에서 살게 될 것인가?”를 고민하는 과정에서 아이러니하게도 한때 찬란했지만 현재는 빛바랜 역사 속으로 편입된 과거의 문화유산을 소급해온다. 지나간 역사 속에서 미래의 달 문명을 위한 토대를 찾은 작가의 시선은 인간 존재의 근원을 인류학적으로 탐구하는 과정인 동시에 인간이 무한한 우주 공간 속 한없이 작은 존재임을 조명하는 계기를 제공한다.
바라캇 서울은 그 동안 고대 예술에 내재된 미와 동시대 예술에 함축된 과거의 유산을 연결하여 예술의 경계를 확장하기 위해 노력해왔다. 호르헤 마이네스 루비오의 <영원한 빛의 정점> 역시 그 연장 선상에 있다. 이번 전시는 영속적인 시ㆍ공간의 개념 안에서 과거 인류가 이룬 문명의 흔적을 되짚어보고, 인간 존재의 근원을 묻는 동시에 더 나아가 미래를 바라보는 여정이 될 것이다.
2018
바라캇 코인 쥬얼리 컬렉션: 영원과 역사의 경계에서
Barakat Coin Jewerly Collection: Between Eternity and History
2018.03.06 – · 바라캇 서울
고대 주화와 동시대 쥬얼리가 만나 태어난 코인 쥬얼리로, 권력을 향한 인간의 오랜 욕망을 따라가 본 전시입니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 고대 주화와 동시대 쥬얼리가 결합하여 탄생한 독특한 예술품, 코인 쥬얼리를 통해 권력을 향한 인간의 보편적 욕망을 서사적으로 탐색하는 전시 <Between Eternity and History>를 개최한다.
쥬얼리의 역사는 문명이 출현하기 이전, 선사시대로 거슬러 올라간다. 조개껍데기, 뼈, 돌로 만든 장신구에서 시작한 쥬얼리는 금속 세공 기술의 발달과 함께 보다 독특하고 정교한 예술품으로 발전하였다. 고대시대부터 쥬얼리는 착용하는 이의 권위를 드러내는 상징물로 기능하였고, 이에 따라 생전에 누리던 권력을 사후에도 누리고자 했던 수많은 이들이 희귀한 쥬얼리를 무덤에 부장(副葬)하기도 했다. 고대부터 현재에 이르는 긴 시간동안, 쥬얼리는 자신을 남들보다 특별한 존재로 연출하고자 하는 인간 고유의 욕망과 결부되어 존재해왔다.
쥬얼리가 인간의 보편적 욕망을 내재한 사치품이라면, 주화는 인간의 필요에 의해 탄생한 실용품이었다. 해상무역이 발달했던 고대 그리스의 도시국가들은 기원전 6세기 말부터 본격적으로 주화를 생산했다. 신들의 나라였던 그리스에서는 금과 은으로 만들어진 주화 표면에 신화에 등장하는 신들의 초상을 새겼다. 이후 알렉산더 대왕이 제우스와 헤라클레스의 외형 및 지물을 자신의 이미지와 결합시킨 초상으로 주화를 발행하기 시작했다. 그는 다양한 문화권을 하나의 국가로 통합하기 위해서 자신의 왕권을 신격화할 필요성을 인지하고, 이에 주화를 적극적으로 활용하였던 것이다. 문화적으로 그리스의 직접적인 영향을 받았던 로마 역시 기원전 150년부터 일괄적으로 모든 주화에 황제, 혹은 황족의 초상을 실었다.
표면에 인물의 이미지가 새겨짐으로써 주화는 단순한 화폐를 넘어 권력의 상징물로 자리매김한다. 아우구스투스 황제는 카이사르 황제의 초상을 주화에 사용하여 자신이 적법한 후계자임을 드러내는데 이용하였고, 이후 황제들도 자신의 권력을 과시하기 위해 기념 주화를 남발하기도 했다. 그에 따라 로마시대 귀족들은 막강한 권력을 상징하게 된 주화를 권위를 시각화하는 수단인 쥬얼리로 활용하는 것을 즐기기 시작했다. 특히 황제의 이미지가 각인된 코인링은 가문 간의 결합을 표상하는 웨딩링으로 인기가 높았다. 당시 주화는 쥬얼리를 장식하는 어떠한 희귀한 보석보다도 강력한 권위를 나타내는 기호였던 것이다.
<Between Eternity and History>는 고대 주화와 쥬얼리가 만나는 지점에서 권력욕을 포착하고, 이를 그리스 로마의 역사와 접목하는 시도를 한다. 신 이미지가 새겨진 코인 쥬얼리는 고대 그리스의 신 중심적 사고관을 드러내며 강력한 왕권을 과시했던 알렉산더 대왕과 콘스탄티누스 대제의 초상이 새겨진 코인 쥬얼리는 권력과 코인 쥬얼리 사이의 상관관계를 명확히 보여준다. 이어서 팍스 로마나를 이끌었던 5현제(네르바, 트라야누스, 하드리아누스, 안토니누스 히우스, 마르쿠스 아우렐리우스)와 폭군으로서 악명이 높았던 네로, 카라칼라 황제의 이미지가 담긴 코인 쥬얼리들은 서로 상반된 형태로 표출된 권력을 각각 조명함으로써 권력의 양면성을 시사한다. 이는 코인 쥬얼리를 구성하는 희귀한 보석들이 영원성을 상징하듯, 코인 쥬얼리에 담긴 인간의 욕망 또한 영원함을 보여주는 서사이다.
나아가 이번 전시는 그리스로마시대의 코인, 코인 쥬얼리와 더불어 다양한 예술품들을 선보인다. 출품작들은 뛰어난 역사적 가치와 함께 예술적 가치도 자랑하는데, 대부분 이상적 아름다움의 정점이라 일컬어지는 그리스로마의 고전 양식 미술품들로 구성되어 있기 때문이다. 수많은 학자들로부터 고전적 미의 기원으로 회자되는 그리스로마 미술을 경험해볼 수 있는 특별한 기회가 될 것이다.
2018
파에즈 바라캇: 아름다움은 보는 이의 눈에 있다
Fayez Barakat: Beauty is in the Eyes of the Beholder
2018.03.06 – 04.15 · 바라캇 서울
파에즈 바라캇의 회화 개인전입니다. 빈 곳 없이 색을 채우고 물감을 두텁게 올려, 눈과 몸으로 함께 느끼는 화면을 보여 주었습니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 2018년을 여는 첫 전시로 3월 6일부터 4월 15일까지 파에즈 바라캇 개인전 <아름다움은 보는 이의 눈에 있다(Beauty Is in the Eyes of the Beholder)>를 개최한다.
파에즈 바라캇(1949~)은 4대째 가업을 잇는 사업가이자 개인 컬렉터로서, 세계 최대 규모의 고대 예술 컬렉션을 소장하고 있는 바라캇 갤러리의 회장이다. 10대 때부터 오랜 세월 동안 현대 회화 작가로 색채를 통해 아름다움을 탐구해온 파에즈 바라캇은 보이지 않는 에너지, 일상에서 받은 감각적 인상, 미에 대한 주관적 경험을 캔버스에 쏟아내듯 작업한다. 그는 색이 만드는 형(形)에 집중하여, 빈 공간이 없이 색을 채우고 물감을 두텁게 발라 물성을 강조한다. 그래서 그의 작업은 시각적일 뿐만 아니라 몸으로 경험하는 촉각적인 인상을 남긴다.
전시의 구성은 크게 지하층과 지상층으로 구분되며, 특히 지하 전시장을 주로 구성하는 <장엄한 해양 생물(Magnificent Marine Life)> 시리즈는 작가가 무의식 중에 경험한 바닷속 풍경을 아름답게 펼쳐 보인다. 작가는 몰입 상태에서 압도되는 듯한 정서적 감정을 몸 전체가 바닷속에 잠수하는 과정으로 비유한다.
이번 전시 <아름다움은 보는 이의 눈에 있다>는 시각적인 미를 넘어서 물감의 얽힘과 그 질감이 마치 관람자의 신체를 뒤덮는 듯한 감각적인 경험을 제공할 것이다. 전세계를 누비며 치열하게 미를 탐구하는 세계 최고의 고대 예술품 컬렉터로서의 삶과 열정적인 작가로서의 삶이 중첩된 강렬한 작품들을 선보이며 관객과 깊이 교감하는 자리가 되길 기대한다.
2017
수행하는 문자, 문자의 수행자
Performing Letters, Performers of Letters
2017.12.16 – 2018.02.11 · 바라캇 서울
쐐기문자와 이집트 상형문자 등 고대 문자 유물 40여 점을 안상수, 노지수, 이푸로니의 타이포그래피 작업과 나란히 놓았습니다.
전시 소개 전문 읽기
<수행하는 문자, 문자의 수행자>전은 타이포그래피 작가의 작품과 세계 각국의 고대 문자 예술품을 나란히 선보여, 시공간을 넘어서는 문자의 예술적이고 제의적인 성격을 조명하고자 한다.
문자이전의 상징이 담긴 고대유물이나, 수메르의 쐐기문자, 이집트 상형문자나 산스크리트어를 포함한 총 40여점의 바라캇 컬렉션의 주요 고대예술품을 선보인다. 또한, 한글의 조형성을 끊임없이 실험해온 한국의 대표적인 시각디자이너인 안상수와 독특한 시각으로 한글의 조형성에 접근하는 노지수, 이야기와 상징의 기호들을 실험하는 이푸로니 작가의 작품이 고대예술품과 함께 변주를 이룬다. 과거에는 글자를 읽고 쓰는 능력이 곧 권위와 특권의 상징이었고, 각 문자에 담긴 의미는 주술과 같은 힘을 가졌다고 믿어졌기에 문자와 책은 모두 신성시 되었다. 때문에 당시 문자를 다루려는 인간은 능숙해 질 때까지 ‘수행(修行)’을 거듭했고, 인간이 다룬 문자는 여러가지 소임을 ‘수행(遂行)’하였다. 고대 문자는 실용적인 수단이면서 예술 작품이었고, 더불어 제의적 도구로 사용되는 다양한 역할을 담당했다. 그러나 문자는 그 쓰임에 있어 점점 실용성과 보편성이 강조되었고, 오랜 시간 동안 그 형태는 단순하고 추상적으로 진화했다. 시간이 흐를수록 문자의 실용적 면모는 강조되어 예술로서의 성격이나 제의적 역할은 미술, 종교, 과학 등 다른 분야에서 담당하게 되었다.
본 전시에서는 현대의 타이포그래피 디자이너를 문자 예술의 전통을 이어받아 그 정신을 되살리는 현대의 작가들로 소개한다. 의미 전달의 수단이라는 실용적 기능을 넘어 문자를 미적 감상의 대상으로 형상화 한다는 점에서, 글자의 예술적 성취를 이뤘던 과거의 장인과 현대의 타이포그래피 작가는 공통분모를 갖는다. 참여작가 안상수, 노지수, 이푸로니는 정보 전달의 목적으로 작업을 수행(遂行)하는 역할을 넘어서 수행(修行)적 차원의 “쓰기”로 회복시키는 예술가로서 소개된다. 특히, 안상수는 다양한 분야의 사람들과 협업을 하고, 고대 문자 유적지를 찾아다니며 문자의 원형을 추적하고 문명 간의 어떤 공통된 진리를 찾고자하는 탐구자적인 자세를 가져왔다. 전시장의 지하공간은 이렇게 진리를 찾고자 한 구도의 한 방법이었던 고대 문자의 수행적인 차원을 현대에 되살리는 역할을 하는 그의 작업의 궤적으로 채워질 것이다.
<수행하는 문자, 문자의 수행자>전은 바라캇 서울의 첫 번째 인스피레이션 시리즈이다. 이 시리즈를 통해 바라캇의 고대 예술품 컬렉션에 영감을 받은 다양한 분야의 예술가들과의 협업 전시를 계속 이어가고자 한다.
2017
엘 아나추이: 관용의 토폴로지
El Anatsui: Topology of Generosity
2017.09.27 – 11.26 · 바라캇 서울
병뚜껑 수천 개를 구리선으로 엮은 대형 설치로 알려진 엘 아나추이의 작업을 통해, 한 작가가 만들어 내는 변화의 힘을 조명했습니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울이 선보이는 <엘 아나추이: 관용의 토폴로지>전은 작가 한 사람이 만들어낼 수 있는 실제적인 변화의 힘을 조명한다. 현대미술에서 예술의 실질적인 힘에 관한 논의는 주로 사회 참여적인 작업이나 교육 활동, 혹은 선언문을 바탕으로 한 단체 활동을 떠올리게 한다. 그러나 이번 전시에서는 개인의 내면에서 시작하여 오랜 기간 작업을 지속하며 주변의 삶과 환경의 변화를 이끈 작가의 ‘내적인 힘’, 곧 엘 아나추이의 예술에 나타나는 작가적 태도에 초점을 두고 있다.
엘 아나추이의 대표작은 나이지리아에서 소비된 수천개의 병뚜껑을 가공하고 구리선으로 엮어 태피스트리처럼 만든 거대한 설치 작품이다. 그는 이 작업으로 베니스 비엔날레의 평생공로 황금사자상을 받았고, 전세계 유수의 미술관과 박물관에 소장되는 등 세계 미술계의 주목을 받았다. 가나의 쿠마시 소재 콰메 은크루마 과학 기술 대학교에서 예술을 전공한 작가는 전통적인 서양 고전 회화의 기법을 수학하였으나 관습적인 미술 교육에 매이지 않는 자신만의 기법을 위해 노력했다. 나무, 돌, 흙과 같은 주변의 다양한 소재와 매체를 끊임 없이 실험한 엘 아나추이는 버려진 술병의 뚜껑을 가공하여 독특하고 화려한 금속성의 조각 작품을 만들게 된다.
엘 아나추이는 버려진 병 뚜껑에서 그것을 사용한 개개인의 흔적을 포착하고 이를 직물처럼 엮는다. 이 금속의 씨실과 날실에는 소재의 공급자와 운송자, 작품의 디자인 작업자와 여러 관계된 마을 주민의 이야기가 얽혀 있다. 이렇게 마을 주민과 작품을 엮어내는 작업은 그 자체로 작가가 타인과 관계를 맺어가는 방식이다. 쓰고 버린 병 뚜껑은 이를 소비한 ‘개인의 기억’뿐만 아니라 구미권 국가들에 의해 아프리카에 술이 공급되기 시작했다는 역사적 사실을 상기시키는 ‘집단의 기억’의 상징이기도 하다. 이는 노예 제도와 식민지 시대를 지나는 아프리카의 트라우마적 근현대사를 호출하고 있다.
이처럼 엘 아나추이의 작품은 개개인의 참여가 엮인 결과물이자, 역사적 시간과 현재의 순간이 교차하는 직조물인 셈이다. 다양한 층위의 내러티브가 결합하여 하나의 그물망을 이루는 그의 작업은 인터넷망으로 연결된 현대의 네트워크 체계에 대한 은유와도 같다. 흥미로운 점은 작가가 예술을 통해 보여주는 관용의 태도이다. 위계적인 중심 없이 각 교점(node)이 연결된 네트워크처럼, 엘 아나추이는 작가가 절대적인 감독관이 되는 것을 지양하고 작품의 제작 및 설치, 감상 등 모든 과정에 타인의 개입을 허용한다. 그는 여러 사람들을 작업에 참여시키고, 전시 공간에 따라 설치 방식을 변형하면서 관람자에게 다양한 해석의 가능성을 열어놓고 있다.
바라캇 서울의 <엘 아나추이: 관용의 토폴로지>전은 이러한 작가의 관용적인 태도를 표현하고 그의 작품을 새로운 관점으로 해석하기 위한 한 방법으로 토폴로지(topology)의 개념을 제안한다. 토폴로지는 20세기 초 수학에서 공간의 이론으로 처음 제시되었는데 이후 여러 분야에서 고정적으로 고착되지 않고 연결된 관계에 의해 변형되는 공간과 대상을 지칭하는 개념적인 용어로 사용되고 있다. 한 공간 안의 물체가 고정적이지 않고 여러 교점의 배치에 따라 유동적으로 변화하고 확장하는 성격을 갖고 있기에 중심과 주변으로 나뉘던 힘의 균형이 분산되고, 주체와 객체의 구분이 없어지며 창의적인 관계 맺기가 가능하다는 특성이 있다.
전시장에서 그의 작품은 토폴로지적 대상에 비유되어, 직각의 전시 공간을 ‘구기고’, ‘접어’변형시킬 것이다. 이 공간 안에서 관객은 작품과 사적인 관계를 맺으며 의미의 확장과 공간의 변형을 더하게 된다. 이러한 토폴로지적 사유는 그간 아나추이의 작품이 아프리카의 민족적·지형학적 분류로 해석되던 것을 넘어 예술을 보는 여러 시점과 다양한 해석이 가능함을 나타내고 있다. 그의 작품은 설치되는 장소의 맥락, 작품과 마주하는 관람자 개개인에 따라 다른 체험을 할 수 있는 폭넓은 사유의 지평을 열어준다. 이는 삶이 고정된 것이 아니라 계속 움직이고 변화하는 것으로 보며 이를 작품에 반영하는 작가의 태도와 무관한 우연한 결과는 아닐 것이다.
엘 아나추이는 일흔이 넘는 나이에도 새로운 매체의 실험과 또 다른 시도를 멈추지 않고 있다. <엘 아나추이: 관용의 토폴로지>전에는 마드리드의 팍툼 아르떼(Factum Arte)기관과 협업한 작가의 프린트 신작도 선보인다. 그의 예술적 실험은 과거와 현재를 아우르고, 본질적인 예술의 힘을 추구하며 미래로 향한다. 삶의 궤적을 통해 일궈낸 새로운 지평에서 엘 아나추이는 ‘예술’을 다른 시각으로 보는 관점을 제안하고 있다.
2017
기묘가족 奇妙家族: 가장의 부재
The Absence of Paterfamilias
2017.06.01 – 08.06 · 바라캇 서울
한국과 벨기에의 두 작가가 회화와 인터랙티브 영화로 가족의 초상을 다시 묻는 전시입니다.
전시 소개 전문 읽기
서로 이상하리만치 닮았으면서도 동시에 전연 다른 매체를 통해 인간적 갈등의 근원으로서 가족의 의미를 재조명하는 두작가의 작품에서 언어적 혹은 비언어적 폭력과 대화의 불가능성에 대한 탐구가 흥미로운 변주를 이룬다. 이번 전시에서는 기묘하지만 가장 진실된 모습일지 모를 가족의 초상에 접근하는 두 작가의 서로 다른 방식을 대조해 볼 수 있다. 한국과 벨기에라는 다른 문화권에서 각각 회화와 인터랙티브 영화라는 매체를 사용하는 두 작가는 가족의 신화에 의문을 제기하고 이를 설명하는 데 성화聖畵의 상징을 차용한다는 점에서 매우 유사하다. 두 작가 모두 사회를 구성하는 가장 작은 단위인 가족을 소재로 사회 시스템의 모순에 기인하는 현대인의 불안에 대해 말한다. 이를 통해 가장 친밀한 인간 관계에 만연한 폭력과 소통의 단절은 갈등과 분노, 조소, 당황 등의 부정적 감정과 상황으로 드러난다.
베르하스트의 작품 정지된 시간Temps Mort/Idle Times은 가장家長의 자살이라는 비극적인 사건의 직후를 구체적으로 묘사한 대본을 바탕으로 한다. 스토리텔러인 안젤로를 포함한 가족의 공동 초상을 담은 저녁 식사The Dinner와 이들의 개인 초상을 그린 다섯 개의 연작인 인물연구Character Studies, 그리고 다섯 점의 정물화인 테이블 소품Table Props으로 구성된 작품 정지된 시간은 등장인물 내면의 감정적인 동요를 섬세하게 포착하며 남은 유가족들이 적절한 태도를 취하지 못하고 당황해 하는 순간을 담았다. 개인의 초상에서 가족의 초상으로, 다시 이들 내면의 알레고리인 정물화로 이어지는 일련의 작품을 통해 작가는 인간의 복합적인 심리를 집요하게 파고든다.
조문기의 작품은 가족 구성원간에 느껴지는 모호한 애증의 감정을 섬세하게 그려 낸다. 가장의 죽음을 추모하는 장례식장에서 벌어진 재산 다툼을 그린 상주와 함께The House of Mourning는 가족간의 무조건적인 사랑이 단순히 허상일지 모른다는 냉소적인 질문을 던진다. 그의 작품에서 폭력은 한 개인에게 특정 이데올로기를 공유하는 집단의 구성원으로 살기를 강요하는 세계에 의해 자행되는 것이며, 동시에 몰개성의 세계에 맞선 개인의 반동적 저항이기도 하다. 그의 회화적 기법은 작품 속 인물들에게 사라저 버릴 유령같은 베르하스트의 인물과는 대조적인 바위와 같은 무거운 존재감을 부여한다. 단단하게 느껴지는 텍스처의 인물들은 폭력에 대한 무감각을 체화한 존재이다. 물성만이 남은 채 동질화된 인물들이 조문기 작품에 특유한 고요함을 만들어 낸다. 이들에 의해 사랑과 기적을 의미하는 종교적 인물을 대체시키는 그의 작품은 가족의 사랑이라는 강제된 관념에 대한 조소와도 같다.
두 작가의 작품은 공통적으로 어딘가 인간성을 결여하고 물성만 남은 듯한 인물을 그려 낸다. 이렇듯 고전적이면서도 동시대적인 두 작가의 작품은 권위적 형식으로서의 종교화와 같은 모습을 한 채 거대한 이데올로기인 가족의 모습에 대해 숙고하게 한다. 주체를 소멸시키는 가족이라는 시스템이 계속해서 순환하는 실존임을 보여 주듯, 두 작가의 작품은 결국 개인의 초상이 아니라 기이한 가족의 초상으로 회귀한다. 폭력을 휘두르면서도 서로 뒤엉켜 살을 맞대고 있는 조문기의 인물들과, 함께 있으면서도 상호간에 객관적인 거리를 유지하고 있는 베르하스트의 인물들은 마치 서로의 모습을 염원하고 희구하는 듯 보인다.
<기묘가족奇妙家族: 가장의 부재> 전에서 고전 성화의 권위적 도상이 현대 작가의 작품을 통해 재해석 되듯, 소통을 통해 통합을 갈망하는 한편 독립된 주체로 남고자 하는 모순된 욕구는 시대를 넘어서 계속되는 갈등이라는 점이 암시된다. 서로를 너무나 닮은 가족 간의 소통마저 불가능 한 것임이 밝혀졌을 때, 과연 우리는 그 누구라도, 타인을 이해 할 수 있는 존재인가에 대한 질문을 던질 수 있을 것이다. 나와 너는 어디까지 가까워질 수 있으며 어떻게 서로를 이해해야만 하는가? 가족의 해체에 따른 독립된 개인을 염원하면서도 다시 가족이라는 이름으로 하나의 프레임 안에 갇힌 두 작가의 인물들은 나와 타인의 반복되는 경계의 갈등에 대해 우리가 어떤 답을 찾을 수 있을지 질문하는 듯하다.
2016
파에즈 바라캇 : 물物의 힘
Fayez Barakat : Matter Energy that Matters
2016.10.11 – 2017.05.14 · 바라캇 서울
파에즈 바라캇의 개인전입니다. 형과 색에 대한 편견 없이, 눈에 보이는 형상 너머의 에너지를 화면에 옮긴 회화를 선보였습니다.
전시 소개 전문 읽기
바라캇 서울은 2016년 10월 11일 부터 2017년 5월 14일까지 팔레스타인계 미국 작가인 파에즈 바라캇(Fayez Barakat, 1949~)의 개인전을 선보인다. 파에즈 바라캇은 형과 색에 대한 편견 없이 대담하고 실험적인 조화를 추구하고, 눈에 보이는 형상을 넘어선 에너지의 실체를 표현하는 작가이다. 그는 순수하고 강박적으로 아름다움에 몰입하여 기존의 현대미술 현상이나 이론으로 쉽게 규정하기 힘든 에너지 넘치는 작품 세계를 펼친다. 어린 시절 그림을 그리기 시작하여 십 대에 이스라엘 미술관에 초대를 받는 등 오랜 작가 경력이 있지만, 그는 정식 미술 교육을 받지 않았으며 또 오랜 기간 외부에 공개하지 않고 혼자 작업하여 대중에게 잘 알려지지 않았다. 세계적인 고대 예술품 수집가로서 쌓은 파에즈의 미적 감수성 및 폭넓은 문화와 예술의 경험은 작품의 뿌리를 추적하기 어려울 만큼 다면적 성향을 갖게 하였다. 원시적이고 날것인 창조 에너지와 다양한 시대, 종교, 문화의 경험이 혼합된 그의 미적 세계는 근대 교육과 제도로 틀이 잡힌 현대미술의 담론을 넘어서 몸과 감각으로 느낄 수 있는 예술의 원천적 힘을 새롭게 환기하는 장을 마련할 것이다.
한국에서 파에즈의 첫 번째 개인전은 《물物의 힘》이라는 주제로 열린다. 이 전시는 그의 평생의 업이자 창작의 에너지로 이어지는 집착적인 수집의 면모를 조명한다. 파에즈는 예루살렘에서 150년 전 시작한 고대 예술 가업의 대를 이어 고고학적 지식으로 깊이를 더하고 사업을 확장하여, 세계 제일의 고대 예술 수집가로 자리매김한다. 그는 십 대 때부터 학자들과 발굴 현장을 다니며 고고학 지식을 체득했고, 유물을 만지며 흙 속에서 결정화된 표면의 질감과 물질의 에너지로 그 가치를 확인한다. 평생 서로 다른 시대와 문화의 유물을 수십만 점 다뤄왔는데, 이러한 경험이 그에게 물성에 대한 특수한 감각을 갖게 하였다. 물성의 에너지에 대한 예민한 촉각적 감수성은 그에게 미적인 압박으로 작용하여, 일상에서 받은 감각적 인상을 모두 캔버스에 쏟아 내게끔 한다. 따라서 다양한 색채와 기법이 그의 작품에 분출되곤 한다. 그림의 영감이 된 대상을 모두 추적하기는 어렵지만, 종종 그가 머무는 지역의 문화적 특성이나 고대 유물의 독특한 재질감과 색감이 드러나는 것을 포착할 수 있다. 관객들은 이 전시에서 파에즈가 평생에 걸쳐 경험했던 고대 유물의 심미적이고 역사적인 중층들에 접근해 갈 수 있을 것이다.
파에즈는 색이 만드는 형(形)에 집중하여 빈 공간 없이 색을 채우며, 물감을 두텁게 발라 물성이 도드라지도록 한다. 이러한 특성은 그의 그림에서 숨 막힐 듯한 에너지를 느끼게 하며 보는 이로 하여금 몸으로 그 에너지를 받도록 인도한다. 이번 전시에서 파에즈의 작품이 발산하는 에너지는 고대 예술품과 어우러져 서로 힘의 균형을 맞출 것이다. 전시장 안에서 관객은 아프리카의 원시적인 조각품 혹은 고대 유물의 기운, 그리고 파에즈의 그림이 뿜어내는 기운의 충돌과 조화를 경험할 수 있다. 이는 관객 또한 눈으로 보고 판단하는 주체로서의 욕망에서 벗어나, 모든 감각을 열고 그림과 사물의 에너지를 있는 그대로 느끼도록 유도한다. 이러한 감상은 하나의 몸을 가진 물(物)로서 그림을 물(物)로 대하며 그 물성의 세계를 인식하는 길로의 초대이다.
이번 첫 전시를 시작으로 파에즈의 작품 세계는 현대의 이론과 과학, 예술과의 연계로 다각적으로 확장해 갈 것이다. 교육과 제도로 순응되지 않은 편견 없는 색채의 사용, 물성의 에너지와 영적인 에너지의 교류, 다문화적이고 다종교적 특성으로 과거와 현재를 매개하는 그의 행보가 앞으로 현대 미술계에 새로운 활력으로 작용할 것을 기대한다.
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